Manet Edouard, "Le déjeuner sur l'herbe"

Commentaire d'Émile Zola a écrit:
« Le Déjeuner sur l'herbe est la plus grande toile d'Édouard Manet, celle où il a réalisé le rêve que font tous les peintres :
mettre des figures de grandeur nature dans un paysage"

wiki a écrit:Le Déjeuner sur l'herbe est un tableau d'Édouard Manet achevé en 1863, d'abord intitulé Le Bain, puis La Partie carrée. Exposé pour la première fois au Salon des refusés le 15 mai 18632, il entra dans le patrimoine public en 1906 grâce à la donation du collectionneur Étienne Moreau-Nélaton.

La brutalité du style et surtout la juxtaposition d'une femme nue « ordinaire », regardant le public, et de deux hommes tout habillés, ont suscité un scandale autant esthétique que moral et des critiques acerbes lorsque l'œuvre a été proposée au Salon. Manet bouscule en effet le bon goût des bourgeois qui visitent les expositions et tue d'une certaine manière la peinture mythologique. Cette toile peut ainsi être considérée comme la première œuvre de la peinture moderne.

Zola a écrit:

« ............. On sait avec quelle puissance il a vaincu cette difficulté. Il y a là quelques feuillages, quelques troncs d'arbres, et, au fond, une rivière dans laquelle se baigne une femme en chemise ; sur le premier plan, deux jeunes gens sont assis en face d'une seconde femme qui vient de sortir de l'eau et qui sèche sa peau nue au grand air. Cette femme nue a scandalisé le public, qui n'a vu qu'elle dans la toile. Bon Dieu ! quelle indécence : une femme sans le moindre voile entre deux hommes habillés, mais quelle peste se dirent les gens à cette époque ! Le peuple se fit une image d'Édouard Manet comme voyeur. Cela ne s'était jamais vu. Et cette croyance était une grossière erreur, car il y a au musée du Louvre plus de cinquante tableaux dans lesquels se trouvent mêlés des personnages habillés et des personnages nus. Mais personne ne va chercher à se scandaliser au musée du Louvre. La foule s'est bien gardée d'ailleurs de juger Le Déjeuner sur l'herbe comme doit être jugée une véritable œuvre d'art ; elle y a vu seulement des gens qui mangeaient sur l'herbe, au sortir du bain, et elle a cru que l'artiste avait mis une intention obscène et tapageuse dans la disposition du sujet, lorsque l'artiste avait simplement cherché à obtenir des oppositions vives et des masses franches. Les peintres, surtout Édouard Manet, qui est un peintre analyste, n'ont pas cette préoccupation du sujet qui tourmente la foule avant tout ; le sujet pour eux est un prétexte à peindre tandis que pour la foule le sujet seul existe. Ainsi, assurément, la femme nue du Déjeuner sur l’herbe n’est là que pour fournir à l'artiste l'occasion de peindre un peu de chair. Ce qu'il faut voir dans le tableau, ce n’est pas un déjeuner sur l'herbe, c'est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses, avec ses premiers plans si larges, si solides, et ses fonds d'une délicatesse si légère ; c'est cette chair ferme modelée à grands pans de lumière, ces étoffes souples et fortes, et surtout cette délicieuse silhouette de femme en chemise qui fait dans le fond, une adorable tache blanche au milieu des feuilles vertes, c’est enfin cet ensemble vaste, plein d'air, ce coin de la nature rendu avec une simplicité si juste, toute cette page admirable dans laquelle un artiste a mis tous les éléments particuliers et rares qui étaient en lui. »

— Émile Zola, Édouard Manet, 1867 et lps 91

wiki a écrit:Analyse

Les quatre personnages s'inscrivent dans un triangle, une constante dans l'art classique, alors que les deux hommes forment un triangle renversé, comme dans les compositions pyramidales de la Renaissance8.

Manet appelle familièrement sa toile la Partie carrée, titre repris par la rumeur qui voit dans les deux femmes nues des prostituées9. Le panier renversé, symbole de luxure, confirme que l'interprétation de la toile n'est plus allégorique ou mythologique mais érotique, d'où le scandale à l'époque10. Au premier plan, la femme nue est Victorine Meurent, le modèle le plus fréquemment utilisé par Manet. Au centre, le peintre représente le sculpteur hollandais Ferdinand Leenhoff, frère ou plus probablement fils de Suzanne Manet, née Suzanne Leenhoff, que Manet épousa sur le tard, sans jamais reconnaître sa paternité. L'homme accoudé à demi étendu sur l'herbe est Eugène Manet11. Enfin, la femme se baignant dans l'étang à l'arrière-plan est un modèle bien connu des peintres amis de Manet, Alexandrine-Gabrielle Meley, qui deviendra plus tard Alexandrine Zola.

Le style et la facture du tableau choquent également le public et les critiques : le paysage esquissé (inspiré pourtant de croquis de la propriété familiale des Manet à Gennevilliers) ressemble à un décor fictif, les lois de la perspective sont enfreintes (la femme en arrière-plan devrait être plus petite), les dégradés sont délaissés au profit de contrastes de lumière et de couleurs qui donnent l'impression que les personnages ne sont pas bien intégrés dans la composition artificielle qui laisse apparaître les coups de pinceau12. Cependant, en insérant dans le tableau de nombreuses allusions trompeuses (telle l'irréelle juxtaposition de fruits de saisons différentes), l'artiste rappelle l'illusion de la scène qu'il ne faut pas interpréter au premier degré13.

Manet, tout en refusant par cette allégorie le cloisonnement entre le nu académique et la peinture inspirée de la vie coutumière, fait référence aux thématiques classiques de ses grands maîtres mais les détourne, les transgresse. Ayant perdu tout déférence pour les peintres du passé, il cherche à les éclipser pour caricaturer la sexualité des mœurs bourgeoises de son époque, cachée sous un romantisme apprêté : la Pêche miraculeuse ou la muse porteuse d'eau du Titien devient la baigneuse dont l'attitude peut être interprétée comme une personne prise d'une envie pressante ou une prostituée qui prend de se laver après l'acte sexuel14 ; la grenouille dans le coin gauche en bas de la toile est un nom donné par les étudiants aux prostituées ; la colombe sacrée est remplacée par le bouvreuil qui déploie ses ailes sur la jeune femme en train de se soulager ; le panier renversé est un symbole de la perte d'innocence ; les fruits (pêches, cerises et figues), comme les coquilles d'huîtres (réputées aphrodisiaques) évoquent une métaphore érotique qui, associée à la nudité impudique (non cadrée par la convention allégorique ou mythologique qui, traditionnellement, autorisait les nudités dans le contexte de la peinture d'histoire) sont une véritable provocation et une atteinte aux bonnes mœurs15.

wiki a écrit:Antonin Proust cite les propos de Manet qui conçut l'idée de son tableau en contemplant des baigneuses sortir de l'eau à Argenteuil : « il paraît qu'il faut que je fasse un nu. Eh bien je vais leur en faire, un nu »16. Le peintre réalise alors une toile dans son atelier avec laquelle il tient à scandaliser tout en s'inspirant de sources classiques pour « aider le spectateur à identifier la référence à une iconographie aussi respectable que connue et illustrant un choix moral »17.

Manet souhaite donner ainsi une version moderne du Concert champêtre (1508-1509) du peintre de la Renaissance Titien (œuvre précédemment attribuée à son maître Giorgione)18.

On reconnaît encore mieux dans cette scène un détail (coin inférieur droit) d'une fresque de Vasari, le Jugement de Pâris, du même Vasari, qui fut l'objet de l'une des premières gravures produites à des fins commerciales pour être vendue comme "reproduction" de l'œuvre initiale et que Manet eut très certainement entre les mains. La scène représente des personnages strictement identiques dans leur pose et leurs accessoires (sauf bien entendu le costume) à ceux du Déjeuner sur l'herbe. Même l'étang en arrière-plan est présent. Seul manque le personnage de la baigneuse.

Dans cette allégorie de Poésie, on voit deux femmes nues (Calliope et Polymnie, Muses de la poésie épique et lyrique) en compagnie de deux jeunes hommes bien habillés, l'un d'eux jouant du luth. La scène se situe dans un paysage arcadien. Manet a repris ce thème avec des personnages modernes, présentant la scène comme un « pique-nique en forêt », détente favorite des citadins le week-end. Le Déjeuner est en fait un manifeste d'une nouvelle façon de peindre et, en effet, d'une nouvelle conception de l'art et de la relation entre l'art et son public.

La composition, d'un autre côté, est dérivée d'une scène avec des dieux de la rivière dans une gravure (1514-1518) de Marcantonio Raimondi d'après un dessin de Raphaël), Le Jugement de Pâris. Toutefois, en ajoutant une femme (disproportionnée) qui se baigne à l'arrière-plan (baigneuse pudiquement voilée dans le respect des traditions), Manet rompt l'harmonie de cet exemple.

La représentation de deux couples qui se reposent dans un parc ou dans un décor similaire était un sujet classique dans la peinture galante, tel qu'illustré dans La Partie carrée (1713) d'Antoine Watteau. James Tissot, contemporain et ami de Manet, a peint sa propre version du thème en 1870.

joron-derem.fr a écrit:
Le déjeuner sur l'herbe, 1964 Diptyque, quadrichromie. Sérigraphie cellulosique sur toile, signée en bas à  gauche sur le panneau de gauche, contresignée et datée au dos sur le panneau de droite. Chaque panneau, dimensions: 175 x 97 cm Dimensions de l'ensemble: 175 x 196 cm

Exposition: The Pop Image, Marlborough Gallery, New-York, 1993.

Je me suis rendu compte que j'avais mis dans ce tableau, un peintre (Mario Schifano, au mileu, au premier plan), un marchand de tableaux (Jeanine Restany, à  gauche, au premier plan), un critique (Pierre Restany, à  gauche, au premier plan) et un spectateur (le personnage féminin, au dernier plan, au bord de la piscine). J'ai voulu de vrais acteurs. Je faisais de la mise en scène sur un plan fixe, du cinéma avec une image figée... Il s'agissait ensuite de traiter cette image par un éclatement du point qui la rendait picturale. Certaines oeuvres d'art deviennent des icones, aussi bien pour leur créateur que pour l'époque qui les a vues naïtre... C'est le cas à  plus d'un titre du Déjeuner sur l'herbe d'Alain Jacquet, imaginé en 1964, au point qu'il incarne aux yeux de beaucoup toute l'oeuvre de l'artiste. Il n'en marque en fait qu'une étape, mais de maniére décisive. Tout d'abord par sa technique, la toile étant un multiple usant de l'impression sérigraphique. Alors que ce procédé commence à  étre employé dans la production d'affiches publicitaires, Jacquet s'en empare pour en faire un moyen d'expression artistique à  part entiére. Il en révéle l'essence en mettant en évidence le principe de tramage d'une image photographique - par un ensemble de points combinant le noir et les trois couleurs primaires -, cela au service d'un discours sur le statut de l'image à  Â«l'époque de sa reproductibilité technique», pour paraphraser Walter Benjamin. Il lui donne également ses lettres de noblesse en l'appliquant à  un support pérenne, la toile. Concernant son sujet, Jacquet avait déjà , dans sa série des camouflages de 1961 à  1964, interrogé certaines grandes oeuvres de l'histoire de l'art en les contemporanéisant autant par le traitement plastique qu'il en proposait que par la superposition d'une autre image appartenant à  la culture populaire - panneau signalétique, image publicitaire... Cette fois-ci, il s'empare d'une toile inaugurale de la modernité picturale, Le Déjeuner sur l'herbe d'édouard Manet, qui en son temps suscita un mémorable scandale. L'oeuvre réalisait une mise en abyme, Manet s'étant lui-méme inspiré d'un Concert pastoral attribué à  Giorgione à  l'époque avant de l'étre à  Titien. Le role de Zola comme critique et défenseur de Manet avait été souligné par un portrait-hommage exécuté par le peintre. Avec son Déjeuner sur l'herbe, Alain Jacquet fait de méme, le critique Pierre Restany et Jeannine Goldschmidt, directrice de la galerie J, étant présents dans cette composition reprenant l'essentiel des figures de Manet, mais cette fois regroupés autour d'une piscine. En 1965, la galerie J organisera l'exposition manifeste «Hommage à  Nicéphore Niépce», qui légitimera le Mec'art défendu par Restany. Plaisir Seine et Oise 31 Mai 1964 Mise en scène: Alain Jacquet Photo: Jacques Montagnac Acteurs: Pierre Restany, Jeannine de Goldschmit, Mario Schifano, Jacqueline Lafon

. a écrit:un peintre (Mario Schifano, au mileu, au premier plan), un marchand de tableaux (Jeanine Restany, Ã gauche, au premier plan),
un critique (Pierre Restany, Ã gauche, au premier plan)

alain a écrit:ça serait bien si on pouvait aussi continuer avec Picasso.
Non ?
c'est un sujet bien exploré!!!!!!!!!!

alain a écrit:ahaha super !!!!!!!!!!!!!!!

je vais aller chercher AlainB

C'est la deuxième version de Manet d'une composition controversée qu'il a montrée lors d'une exposition d'œuvres rejetée par le Salon officiel de Paris. Il retravailla le thème d'un tableau de la Renaissance qu'il avait vu au musée du Louvre, représentant de beaux nus féminins écoutant des musiciens masculins. La peinture de Manet était choquante parce que son idylle pastorale faisait des références délibérées à la vie contemporaine. Les hommes portaient des vêtements modernes et la femme nue était considérée comme laide. En tant que tel, il semblait se moquer de l'art académique.

On peut interpréter cette peinture sous l'angle de la discordance. Il y a les discordances les plus évidentes liées au sujet : cette femme nue avec ces hommes habillés, qui scrute le spectateur avec un air de défi, qui le dévisage et se confronte à lui au lieu de se laisser regarder passivement, ce personnage masculin qui semble, lui aussi, observer le spectateur quoiqu'avec détachement, ce beau parleur que les autres n'écoutent pas, cette jeune fille du second plan, en chemise, prenant un bain (le modèle était, paraît-il, une jeune juive de passage - elle semble effectivement s'adonner à un bain rituel plutôt qu'à une baignade dominicale), le désordre des vêtements, le contraste aigu des sexes auquel s'additionne l'écart entre la chair nue, sans ombre (plutôt mal peinte, diront les contemporains), et la nature morte (peinte avec plus de soin), l'indifférence aux conventions dans une scène de la vie sociale, l'absence d'émotion ou de culpabilité malgré le désir sous-jacent (Cézanne au contraire, dans ses Pastorales, metttra en scène l'angoisse du désir), l'absence de modelé en clair-obscur, qui a donné aux contemporains l'impression d'une peinture plate (Courbet et Daumier l'ont remarqué), la lumière crue et égale d'une verrière d'atelier posée dans une nature de convention, des teintes acides dans un paysage peint de façon hâtive, à peine naturelle. L'éclairage est hésitant, hétérogène entre un premier plan sombre et un second plan plus lumineux. Il n'y a pas de trouée vers le ciel ni de perspective; c'est une sorte de caverne, un décor de théatre, étrangement surplombé par un petit oiseau brun (un bouvreuil, méticuleusement peint) qui semble flotter, tout en haut vers le centre, au-dessus d'un abîme, et ponctué par une petite grenouille (rendue de manière hâtive), tout en bas à gauche - comme s'il fallait souligner le caractère éphémère de la scène.
Hubert Damisch (LJDP p60) fait remarquer qu'il s'agit d'un montage ou d'un collage. Michel Fried (LMDM p158), pour éviter l'anachronisme, préfère parler d'adjonction. En tous cas l'intérieur se greffe sur l'extérieur (peint en atelier), le groupe sur le sous-bois, la baigneuse (ou supposée telle) sur la clairière, la femme dévêtue est intercalée artificiellement entre des hommes habillés. Dans cette étrange juxtaposition, Manet se moque des goûts et des interdits de son époque. Il s'amuse à mélanger les genres (c'est un paysage, et aussi un portrait, et aussi une nature morte).
A une époque où l'art officiel (celui de Cabanel ou de Baudry) exploitait sans vergogne un érotisme équivoque, le tableau de Manet montrait avec franchise ce que la peinture pouvait faire d'un corps. Se moquant du beau idéal, il n'hésitait pas à parodier les oeuvres du passé. On pourrait considérer ce tableau célèbre, commenté par des myriades de critiques d'art, comme une simple blague de potache, s'il n'était l'héritier d'une longue tradition
Au Salon des Refusés de 1863, Manet a exposé trois peintures : Le jeune Homme en costume de majo, Mlle V en costume d'espada, et Le Déjeuner sur l'herbe. Les réactions très vives de Napoléon III (qui avait lui-même encouragé ce contre-salon), du public et de la critique se sont concentrées sur ce dernier tableau. Bien que sur un mode moins visible que dans La Musique aux Tuileries, Manet rompt avec le classicisme et l'académisme. En privilégiant les formes brutales et les couleurs chatoyantes, il se rapproche de la technique impressionniste. Mais la polémique porte moins sur le style de la toile que sur son sujet. Le Nu féminin était admis dans la peinture, sous certaines conditions dont aucune n'est remplie. Voici une jeune femme nue, en compagnie de deux hommes habillés en costume contemporain, qui fait face au spectateur sans aucune pudeur, et semble même l'inviter à venir dans le tableau partager leur conversation. Impossible d'interpréter ce tableau de manière allégorique, mythologique ou esthétique. Il s'agit bien de sexe - et c'est cela qui fait scandale et conduit le public soit à marquer son incompréhension, soit à rire de bon coeur, soit à s'indigner devant l'indécence de cette oeuvre.
Si Manet rompt avec les codes de la peinture, il le fait du dedans, en conservant partiellement ces mêmes codes. On peut dire que ce tableau symbolise la décrépitude de l'art académique, tandis que l'Olympia, présenté par Manet deux ans plus tard avec le même modèle Victorine Meurent, symbolise le commencement de l'art moderne.
Les historiens de l'art ont rapproché le Déjeuner sur l'herbe de deux oeuvres dont il est, si l'on peut dire, une traduction (pour employer le terme utilisé par Hubert Damisch) :
- le Concert champêtre, un tableau qui a peut-être été commencé par Giorgione et achevé par le Titien, et dont Manet possédait une copie réalisée par Fantin-Latour. Dans ce pique-nique champêtre, il y a aussi deux femmes nues et deux hommes habillés. Mais les muses appartiennent à un autre monde, elles ne s'occupent ni des musiciens ni du spectateur; et les hommes ne sont pas habillés banalement en costume moderne.
- un détail d'une gravure qui traînait à l'époque dans tous les ateliers, Le jugement de Pâris, produite par Marcantonio Raimondi à partir d'un dessin - lui-même perdu - de Raphaël, où l'on retrouve presque exactement la même posture. Ce dessin ayant été inspiré par un bas-relief hellénistique que Raphaël devait connaître, on assiste au déplacement et à la transformation progressive, sur 15 siècles, d'une chaîne de figures et de signifiants. Pourquoi Manet a-t-il choisi cette gravure comme source d'inspiration? Peut-être simplement à cause de la posture de la naïade - reprise pour la jeune effrontée; mais peut-être aussi pour d'autres raisons. Entre la volonté d'établir un lien avec l'art des maîtres anciens et une certaine ironie par rapport aux règles figées de l'Académie (parallèle à celle de son contemporain Offenbach dans La Belle Hélène), on peut imaginer que Manet était partagé.

alain a écrit:merci Jean-Yves!
je vais explorer tes trucs.
Je suis heureux que le sujet t'active!

J'ai longtemps été hypnotisé par ce tableau

Damish a écrit:...Si Manet a fait scandale, ce n'est pas pour des raisons techniques (la qualité de sa peinture) ni même académiques (le non-respect des règles usuelles de composition); c'est parce qu'avec lui la beauté apparaissait comme un supplément facultatif dont l'artiste, après tout, pourrait légitimement se passer. Mais alors ce qui apparaissait indécent, sous cette beauté dévaluée, n'était pas tant la liberté de l'artiste que l'exhibition de la différence des sexes et l'excitation du désir, exhibition que Manet réitérera deux ans plus tard avec l'Olympia.